By Laura Pinillos Domínguez

Una nueva edición de la Fashion Week de Madrid llegó la semana pasada a Ifema, bajo condiciones estrictas de seguridad que no han permitido disfrutar de ella de la misma manera que en anteriores años. 

La pasarela tradicional ha contado con un aforo del 24% de su capacidad, es decir, unas 192 personas que han podido vivir la experiencia de manera presencial. A pesar de que las grandes ciudades de la moda como Milán, Paris, Londres y Nueva York decidieron organizar un evento totalmente digital, Madrid ha insistido en continuar con la tradición. 

Un total de 22 diseñadores presentaron sus nuevas propuestas, entre ellos, 12 de manera presencial y 7 online. Durante 4 días los diseñadores han reivindicado la importancia del sector de la moda en España y su creciente influencia en los últimos años. 

Colecciones invadidas por la comodidad, la sencillez, el minimalismo y la elegancia. No todos siguen estas tendencias, como es el caso de Dominnico o Maya Hansen, pero la mayoría se han adaptado a la situación en la que estamos, incluso han incluido mascarillas como Hannibal Laguna. Además, aumenta la sostenibilidad y el upcycling en las marcas españolas.

ANDRÉS SARDÁ: WHO IS SHE?

Uno de los primeros en desfilar y el encargado de inaugurar la Semana de la Moda en Madrid. Un desfile híbrido, que combinó un cortometraje de tres minutos más una pasarela presencial. 

Un fashion film protagonizado por la actriz Lali Espósito y el actor Enric Auquer (protagonistas de la reciente serie Sky Rojo),  realizado por Eugenio Recuenco, que contó con la dirección creativa de Nuria Sardá, la hija del fundador de la casa de moda. El primer fashion film de Andrés Sardá el nombre Who is she? nos traslada a un cabaret lleno de alegría, optimismo y mucha fiesta. 

La marca de lencería ha querido trasportar al público a los felices años 20 durante todo el show. Una colección invadida por los tonos negros, el encaje, las transparencias, la sensualidad y los grandes tocados. 

Andrés Sardá fw 21 Imagen Andrés Sardá

Andrés Sardá fw 21 Imagen Andrés Sardá

Andrés Sardá fw 21 Imagen Elle

ULISES MÉRIDA: LIBRE

Durante el confinamiento del año pasado, Ulises Mérida contó con la ayuda de APRAMP, una asociación de mujeres en riesgo de exclusión social, involucrada en la prevención y erradicación de la explotación sexual y la trata de seres humanos, para trabajar en sus talleres y confeccionar mascarillas. 

Y de ahí nació esta colección en la que han participado un total de 12 mujeres de aquel taller. Una etiqueta compartida entre los dos, como ha explicado el diseñador. 

30 looks al más estilo Mérida, sus camisas ‘betinas’, sus vestidos cortadas al bies, su superposición de prendas, es decir, su estilo, su ADN.  La utilización de estampados florales, los colores flúor, verdes, naranjas, morados. Y complementos grandes. Una colección con una inspiración oriental. 

"Todo el material con la que hemos trabajado ha llegado de donaciones de tejido de firmas como Mirto, El Corte Inglés y Lupo Barcelona. Y también de lo que ha donado Tamara Falcó. Con todo lo que hemos recibido se ha hecho la colección", explica Mérida. 

Ulises Mérida fw21 Imagen Elle

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OTRURA: LATENTE

Su primer gran debut desfilando en la Fashion Week de Madrid y ha sido la galardonada con el premio   L´Oreal a la mejor colección de esta edición. 

Otrura es una casa de moda que nació hace cuatro años en Andalucía de la mano de Verónica Abián Santamaría y Sergio De Lázaro, director creativo de la marca que ya había trabajado en otras casas como Dior o Hérmes. El nombre viene de la combinación de dos términos entrelazados: otrora, que significa de otro tiempo fusionado con la palabra costura. 

Defensores de Slow Fashion, confeccionando cada prenda pedida de manera exclusiva, con un trabajo que abarca tres semanas.  Una mayor presencia de la artesanía en la ropa y delicadeza. Minimalismo y sencillez son los mejores adjetivos para describir a la marca, y en especial, a esta colección.

Otrura fw 21 Imagen Elle

Otrura fw21 Imagen Elle

DOMINNICO: OMEGA

Una presentación totalmente online, un fashion film dirigido por Favela. En una puesta en escena futurista, se abre una pasarela virtual bajo una noche nevada, dónde el diseñador Domingo Rodríguez Lázaro ha presentado su nueva colección prêt-à-porter para esta temporada. 

El video comienza con la culturista Cristina Ruiz, en una parada de autobús mirando un cartel de Dominnico en el que se puede leer: "Are you the next muse?".  Un círculo en la historia que acaba siendo ella misma la que imagen en el cartel de la marca al final del vídeo. Otra de las caras reconocidas fue la de la influencer Alba Miró.

“Omega es un punto de luz para conectar con esa parte dulce pero también perversa y dura de nuestra nueva forma de vivir”, explica Dominnico. 

Una paleta de colores invadida por el tono el tono negro, con colores pastel y llamativos verdes y amarillos. Cortes en las prendas que nos recuerda a la identidad de la marca Mugler de hoy en día. La colección cuenta con colaboraciones  con Suritt, una marca de accesorios alicantina, y con Mateo Gargallo, artista que ha ayudado a Dominnico en la creación de una colección cápsula de joyas y de su pieza más icónica de la colección: el casco cubierto de pedrería que costó 120 horas de trabajo. 

Dominnico fw 21 Imagen Dominnico

Dominnico fw 21 Imagen Vogue

Dominnico fw21 Imagen Vogue

ÁNGEL SCHLESSER

Una colección en colaboración con L´Oreal, en la que Ángel Schlesser ha querido reivindicar el poder y la influencia de todas las mujeres. La comodidad se refleja en todos los looks, con prendas anchas, como los pantalones palazzo. El desfile ha estado ambientado bajo la voz en directo de la soprano Beatriz Díaz.

La colección está inspirada en la arquitectura y diseño de principios de siglo, tomando grandes referencias de la escuela Bauhaus. Formas y estructuras minimalistas, geométricas, clásicas pero a su vez vanguardistas, patrones geométricos y líneas puras, todo ello pensando en su funcionalidad y comodidad. 

Entre las modelos se han podido ver caras reconocidas como la actriz Cayetana Guillén Cuervo, la modelo Cristina Piaget, la presentadora Francine Gálvez, la atleta olímpica Ruth Beitia y la finalista de Maestros de la costura, Yelimar Moreno. 

Ángel Schlesser fw21 Imagen Elle

Ángel Schlesser fw 21 Imagen Elle

MAYA HANSEN: CLASSIC FETISH

Maya Hansen debutó en la Fashion Week de Madrid en el año 2010, y este año, tras varias ediciones ausente,  ha vuelto sobre la pasarela para mostrarnos su nueva colección: Classic Fetish. 

Una presentación dividida en dos partes: una de manera online, un fashion film realizado por  Andrew Jim, localizando a las modelos en un gran vacío, al fondo de un gran acantilado. Y una pasarela en directo, totalmente diferente, que comenzaba con una coreografía de las modelas de la canción Follow Rivers (The Magician Remix) de Lykke Li, seguida de la actuación en directo del grupo  Reyko con su tema Spinning Over You. 

La joya de la corono da la  diseñadora Maya Hansen siempre ha sido las diferentes versiones del corsé, y evidentemente, en esta colección no iba a faltar. Una colección llena de sensualidad, donde las modelos llevaban mascarillas al estilo más futurista. Tejidos plásticos trasparentes con neoprenos y vinilos, y colores eléctricos y fuertes. 

Maya Hansen fw 21 Imagen Elle

Maya Hansen fw 21 Imagen Elle

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JUANJO OLIVA

Juanjo Oliva ha presentado una colección cápsula en una floristería. Concretamente, en la floristería Loreto Aycuens, en la calle Covarrubias de Madrid. Una de las pasarelas más inusuales donde el diseñador apostó por las prendas y los métodos más sostenibles.

Una colección totalmente artesanal y upcycling, es decir, usó restos de tejidos sobrantes, tanto de su  propio taller como comprados a otros diseñadores, apostando por una industria más ética y responsable con su impacto en el medio ambiente. 

Prendas mucho más sencillas pero sin perder la elegancia propia de la marca. Consciente en la etapa en la que vivimos, confesó que las prendas estaban hechas para aprovecharse en más de una ocasión.

Juanjo Oliva fw21 Imagen Juanjo Oliva

Juanjo Oliva fw21 Imagen Juanjo Oliva

BY Laura Pinillos

Uno de los grandes diseñadores del siglo XXI, que revolucionó el concepto de las pasarelas llenándolo de teatralidad. Siempre tuvo en la mente de ser "algo en el mundo de la moda". Highland Rape, Golden Fleece, NO 13, VOSS y Plato´s Atlantis son las colecciones de las que hablaremos en este post. 

Lee Alexander McQueen fue un diseñador británico, que nació en 1969 en Londres. En 1992 acabaría sus estudios presentando su colección basa en la figura de Jack el Destripador. Entre el público se encontraba Isabella Blow, por entonces directora de Vogue UK, que compró toda la colección al instante. 

Isabella Blow se convertiría en una de las mujeres más importantes de su vida, junto a su madre. La mayor inspiración del diseñador fue el legado de sus ancestros y la libertad de la que disfrutaban las aves, que se ve en casi todas sus colecciones. 

Presentó su primera colección con su propia marca homóloga en 1993 bajo el nombre de Taxi Driver. Pero no sería hasta su quinto desfile donde conseguiría la reputación y la polémica que siempre le persiguieron. En 1996 fue nombrado director creativo de la casa Givenchy y durante los siguientes 5 años sería el responsable de las dos colecciones anuales de Alta Costura y las dos de pret-a-porter. Llegó a un punto de sacar 6 colecciones anuales. 

“Siempre he sido un rebelde con una causa que destruye a la industria de la moda desde el núcleo”.

 HIGHLAND RAPE

La colección que presentó en otoño de 1995 marcó un punto de inflexión en su carrera. Los desfiles con mensajes habían comenzado.

El primer pensamiento que tuvo el público sobre esta colección y la idea que quería expresar McQueen estaba relacionada con la violación a las mujeres, pero en verdad se trataba de la violación a Escocia por parte de Inglaterra. Highland Rape hizo referencia a los levantamientos jacobitas del siglo XVIII y los despejes de las tierras altas del siglo XIX.

Prendas rotas, deshilachadas, y como protagonista el estampado tartán tan característico de su tierra paterna. Las modelos aparecían desorientadas, malheridas, el pelo totalmente alborotado y unos ojos de color negro intenso. 

“Esta colección fue un grito contra los diseñadores ingleses que hacen ropa escocesa extravagante. La familia de mi padre es originaria de la Isla de Skye y yo había estudiado la historia de las revueltas escocesas y las Clearances. La gente era tan poco inteligente que pensaba que se trataba de mujeres violadas, pero Highland Rape se trataba de la violación de Escocia por parte de Inglaterra ", explicó Lee. 

GOLDEN FLEECE

En 1996, con 27 años, fue nombrado director creativo de la maison Givenchy, tras la salida de John Galliano. Durante los siguientes 4 años, McQueen se encargó de las dos colecciones de Alta Costura anuales de la casa, más dos de pret-a-porter. Sin olvidar que seguía con su propia marca.

El 17 de enero de 1997 salió a la pasarela su primera colección para la marca, confeccionada en tan solo 3 meses, una colección de Alta Costura para la casa, donde su esencia estaba presente. Una paleta cromática basada en dos colores: blanco y dorado, muy característico de Givenchy. Tomó como referencia el mito del carnero (o la cabra) de la antigua mitología, añadiendo cuernos en los peinados de las modelos.

El vellocino de oro. La historia comienza con Atamante, rey de Orcómeno, que tomó como primera esposa a la diosa nube Néfele, con quien tuvo dos hijos, Hele y Frixo. Más tarde, el rey se enamoró y se casó con Ino. Celosa de sus hijastros, planeó matarlos. Momento justo en el que aparece nuestro carnero, con lana de oro, que ayudó a huir a los dos niños, pero Hele cayó en el agua y se ahogó. Frixo llegó a Cólquida y en agradecimiento al pueblo que le acogió, sacrificó al animal y colgó su piel de un árbol. El carnero se convirtió en la constelación de Aries.

N0.  13

McQueen confesó que fue el primer desfile suyo que le hizo llorar. Su nombre se debe simplemente porque era la colección número 13 que presentaba en su carrera. Muchos personajes famosos pidieron ser invitados, como el caso de Victoria Beckham, pero fueron rechazados. Todos los fashion shows de McQueen estaban tan estudiados, que no querían que nadie acaparase la atención. 

El desfile fue abierto por Aimee Mullins atleta, modelo y actriz, luciendo sus dos prótesis de madera, diseñadas exclusivamente por Lee. Una colección inspirada en el movimiento británico arts and crafts. Diseños construidos a base de tonos naturales, marrones, marfiles, beige, y elementos también procedentes de la naturaleza como rafia hasta madera de balsa.

Pero lo mejor estaba por llegar.  Shalom Harlow asomaba por la pasarela con un vestido blanco y con forma de trapecio. Caminando lentamente hacia una plataforma giratoria y, junto a ella, unos amenazantes brazos robóticos se movían al compás de sonidos suaves que poco a poco comenzaban a dramatizarse. De repente, las estructuras metálicas comenzaron a disparar pintura sobre el diseño. En cuestiones de segundos, la superficie blanca del vestido se impregnó de negro y neón.

Dreaming Stones, de Rebecca Horn fue la obra que inspiró a Mcqueen. Una obra compuesta por dos escopetas que se disparan pintura roja a si misma. El diseñador era un gran fanático del trabajo del artista, que inspiró sus desfiles en más de una ocasión. 

VOSS

En 2001 presentaba su nueva colección bajo el nombre de Voss, donde trasladó a los espectadores a un hospital psiquiátrico. El show tardó más de una hora en empezar, mostrando solamente los reflejos de los espectadores inquietos en los cristales que rodeaban la pasarela. 

Las modelos aparecían con las cabezas vendadas, encerradas, intentaban volar para poder escapar. El chiflón y las plumas fueron los principales protagonistas de la colección que recordaron a la obra de Hitchcock, The Birds. Caras reconocidas en el mundo del modelaje participaron, como  Kate Moss y Naomi Campbell.

El broche final del show comenzaba con el sonido de un monitor cardíaco. Del centro de la pasarela se desplomó un cubículo que dejó ver a una mujer totalmente desnuda, Michelle Olley, cubriendo su rostro con una máscara, respirando por un tubo y rodeada de polillas. Una escena sacada de una fotografía de Joel-Peter Witkin titulada Sanitarium (1983).

Representa una alegoría que habla de la muerte y del renacimiento por medio de esos capullo que tuvieron que abrirse para liberar a las polillas que crecían en su interior.

PLATO´S ATLANTIS

Esta última, se trata de la última colección del diseñador, primavera-verano 2010, antes de fallecer. Inspirada en la historia de Atlántida contada por Platón, McQueen creó una colección llena de colores brillantes y patrones que lucen como criaturas con vidas propias. 

En el desfile, las modelos portaban un estilo andrógeno, con colores entre azules y marrones, representado los dos mundos: tierra y mar. El maquillaje y los peinados las hacían parecer verdaderos reptiles furiosos o alienígenas, como si de otro mundo se tratase. 

Dos tipos de zapatos, dos diseños diferentes se presentaron en la colección, los dos igual de extravagantes. Los Alien Shoes y los Armadillos, mucho más famosos y reconocidos mundialmente por ser tan altos y puntiagudos como las auténticas puntas de ballet. 

Una colección trasmitida por primera vez por internet, por la página de facebook del diseñador, que estuvo disponible durante 24 horas. Además, fue la primera vez que sonó la canción Bad Romance de Lady Gaga, cuyo video posterior estaba inspirado en la colección, utilizando prendas de la misma.

"Cuando esté muerto y me haya ido, la gente sabrá que el siglo XXI fue iniciado por Alexander McQueen".

Rodarte es una casa de moda californiana con muchos secretos e influencias que debemos tener en cuenta para comprender su esencia. 

La casa nació de la mano de las hermanas Mulleavy, Kate y Laura. Ambas, después de realizar sus estudios universitarios, regresaron a la casa de sus padres. Sin ningún plan ni visión de futuro, pasaron un año entero viendo películas de terror. Sobre todo las películas dirigidas y producidas por el director Alfred Hitchcock, conocido por las películas Psicosis, La Ventana Indiscreta, Vértigo, Rebeca...

Inspiradas en la fuerza de las prendas en el cine, deciden en 2005 presentar su primera colección que constaba de 10 piezas. Una vez lanzadas las prendas, la revista Woman´s Wear Daily (LA BIBLIA DE LA MODA) realizó un reportaje de estas y Anna Wintour le faltaron segundos para ponerse en contacto con las hermanas. 

Todos estos acontecimientos desembocaron en su primer desfile durante la Semana de la Moda en Nueva York ¡ESE MISMO AÑO! Tanto han conseguido, que desde el 2017 han desfilado en la Semana de la Moda de Alta Costura de París. 

El nombre de la marca Rodarte, proviene del apellido de soltera de su madre, Rodart. De origen mejicano, por parte de su abuelo que huyó de la revolución de Méjico con la intención de refugiarse en California. Muy orgullosas de sus raíces, decidieron honrar a su familia materna.

Pero también a la paterna, siendo una marca donde las protagonistas son las flores, ya que su padre se dedica al mundo de la botánica. 

Primavera-Verano 2018

En el año 2010 realizarían su mayor proyecto cinematográfico hasta el momento: EL VESTUARIO DEL CISNE NEGRO. Todos los trajes que llevaría Natalie Portman para las escenas del ballet, están diseñados de la mano de las hermanas Mulleavy. Además, la protagonista sería galardonada al óscar a la mejor actriz, recogiendo el premio con otro de los diseños de la casa. 

Otoño-Invierno 2014

Primavera-Verano 2017

Otoño-Invierno 2016

Primavera-Verano 2018

Primavera-Verano 2012

Kristen Dunst

Kiernan Shipka

Lili Reinhart

Las hermanas Haim

Nunca han parado quietas, aunque solo sacan dos colecciones anuales (en comparación con las grandes marcas de lujo con una media de 4 al año), pero explorando otros caminos como las colaboraciones con otras marcas, entre ellas Starbucks, Coach, Superge, Gap o Target. 

Rodarte x Starbucks

Rodarte x Coach

Rodarte x Target

La última de las grandes figuras intermediarias en apostar por la marca, ha sido Selena Gómez, que contó con una de los vestidos de la colección primavera-verano de 2020, bajo el nombre de Daisy Floral Silk Dress para el videoclip de su nuevo single De Una Vez. 

«Aprendimos a contar historias con emociones exageradas. En el fondo, eso es lo que quiere lograr la moda: que una prenda esté conectada emocionalmente con la persona que la viste», 

 Cuando el arte y la moda se unieron, para traernos al mundo grandes obras que siempre recordaremos. 

Inicios del siglo XX y el surrealismo comenzaba a conquistar Europa, especialmente Francia, donde se iniciaron los primeros pasos en este movimiento por el manifiesto de Freud. Dentro de la pintura tendríamos a su máximo representante, Salvador Dalí, un pintor español nacido en Figueras (Cataluña) en 1904 e iniciaría su pasión con solo 14 años. 

Por otro lado, la máxima representante del surrealismo dentro de la moda sería Elsa Schiaparelli, nacida en Roma en 1890. Tras un inicio de vida ajetreado, por diversas circunstancias, acabaría en París inaugurando su primera tienda en el años 1927 "Pour le Sport"  donde enseñó al mundo su nuevo diseño: LA FALDA PANTALÓN.

A parte del surrealismo, ambos tendrían más puntos en común, como la creencia del más allá. Schiaparelli pasaba mucho tiempo con su tío Giovanni, astrónomo, por lo que estuvo muy familiarizada con el cosmos. Por otro lado, Dalí siempre escuchó de sus padres que era la reencarnación de su hermano mayor. Además, a ambos les pusieron el mismo nombre y sus padres le obligaban a ir a la tumba. 

Otro punto, poco agradable, es la desaprobación por parte de los padres. Schiaparelli fue mandada a un convento por escribir un poemario sensual que alarmó a toda su familia. Su respuesta fue una huelga de hambre que provocó que volviese a casa. Dalí mantendría una dura relación con su padre, el cuál no aprobaba las excentricidades de su hijo y le trataba como un castigo divino. Su madre fue un gran apoyo para él, pero desgraciadamente murió cuando él tenía 16 años. 

“La tragedia constante de la vida es la moda y es por eso que siempre quise colaborar con madame Schiaparelli; solo para probar que la idea de vestirse o disfrazarse uno mismo es consecuencia de la traumática experiencia de nacer, el trauma más fuerte que un ser humano puede experimentar, pues es el primero” 

POLVOS COMPACTOS 1935

Y con el tiempo, llegó al primera colaboración que se trataría de unos polvos compactos (maquillaje), de los cuales Dalí se encargaría de darles forma. Tomó el diseño de un disco de marcar, como los de los teléfonos de entonces. 

Este diseño pertenece a la colección otoño-invierno de 1935. 

TRAJE ESCRITORIO

Para este diseño, Elsa Schiaparelli tomó como inspiración el cuadro de Dalí "Gabinete antropomorfo" para diseñar sus famosos trajes escritorios. El look comprende una chaqueta con 8 cajones perteneciente a la colección otoño-invierno de 1936.  

El significado de estas cajas que salen del cuerpo humano es muy del estilo dalianano. En ellas, se esconde el interior del hombre que solo el psicoanálisis sería capaz de abrir. 

EL VESTIDO LANGOSTA

En 1937 vendría su colaboración más importante y con mayor repercusión: el vestido langosta. 

Elsa Schiaparelli se quedó fascinada con el diseño que había realizado Dalí en 1936, "Teléfono Langosta" y le pidió que le dibujara al crustáceo para uno de sus vestidos. 

“Como las langostas, las jovencitas se ven deliciosas por fuera. Como las langostas, también se ponen rojas cuando las preparas para comerlas” -Dalí.

La langosta estaba dotada de una connotación erótica. Además, el crustáceo estaba pintado en una inmensidad de color blanco que representaba la pureza e inocencia de la mujer, y posicionándolo entre las piernas de la figura femenina. 

Wallis Simpson, la duquesa de Windsor, fue una de las primeras en apostar por el vestido y atreverse a ponérselo seguido de una sesión fotográfica. 

En la actualidad, la langosta es un símbolo que se asocia rápidamente con la casa, por lo que la han reinventado en diseños parecidos al que hizo la fundadora.

EL SOMBRERO ZAPATO

El sombrero zapato se convirtió en el elemento clave para la colección de 1937 y estuvo inspirada en una fotografía que tomó Gala de Dalí con un zapato en la cabeza. 

En una de las confesiones de Freud, asociaba a los sombreros con alusiones de los genitales femeninos y este sombrero, rompía los esquemas. Sería todo lo contrario, relacionándolo con los genitales masculinos o incluso, con el fetichismo de pies.

TEARS DRESS 

La siguiente pieza volvería a ser un vestido, que se convertiría en la piza clave de su colección Cirque de 1938. 

Se trata de un vestido compuesto por trampantojos que pretendía simular pieles rasgadas. Dalí ya había usado esta representación en sus cuadros como "El sueño apoya su mano sobre el hombro de un hombre" y "Tres jóvenes mujeres surrealistas que sostienen en sus brazos las pieles de una orquesta".

VESTIDO ESQUELETO

Además de colaborar con Dalí, también trabajó con otros artistas como Picasso o Jean Cocteau. 

Elsa Schiaparelli fue diseñadora atípica del momento y la más innovadora, una época invadida por los trajes de Chanel. La diseñadora francesa siempre la definía como "Aquella italiana que vende ropa".

 Es obvio, que si preguntamos quién fue la reina de la moda en los años 30 es Coco Chanel, pero Schiaparelli no se dejó comer. Una de las anécdotas que se cuentan de ellas en la biografía de Coco Chanel por Rhonda K. Garelick, en una fiesta de disfraces, Coco empujó a su pareja de baile lo que provocó que un candelabro cayese al suelo atrapando a Elsa entre llamas.