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    Una de las cosas que más me gustan de los desfiles de moda, de las casas de moda y de los diseñadores son los secretos y lo que quieren trasmitir con sus nuevas colecciones. Despedazarlas y descifrarlas de la manera más crítica es siempre lo que intento hacer. 

    El pasado 17 de junio, Maria Grazia Chiuri, la actual directora creativa de la maison Dior, volvió a sorprendernos con una colección, una nueva obra de arte. Una colección resort, bajo el nombre de Athens para este 2022 que se inspiró en su totalidad en la cultura helenística propia de la Antigua Grecia. 

    "Reencuentro con las raíces de nuestra civilización, no con nostalgia, sino por un deseo de recomponer en nuestro presente esta fragmentación necesaria para nuestra aprehensión del mundo", explica Maria Grazia Chiuri.



    Primero de todo... ¿QUÉ ES UNA COLECCIÓN RESORT? 

    Una Colección Resort, Cruise, Crucero o Pre-Colección, es un término que nace en los años 20. Una colección dirigida a la clase alta norteamericana, los cuales pasaban las vacaciones de invierno en la zona del Mediterráneo. También, comenzó a llamarse crucero por la alta demanda de los franceses por viajes en barco durante sus veranos. Un guarda ropas femenino con trajes de fiesta y prendas para la playa. 

    Hoy en día, es una colección y un desfile más para las grandes casa de moda como Chanel, Prada Hermés, Giorgio Armani, Louis Vuitton o Dior. Su presentación tiene lugar entre las colecciones centrales de invierno/otoño y primavera/verano. 

    La colección Athens estuvo ubicada en el Estadio Parathinaikó en Atenas, ambientado como las antiguas carreras de cuadrigas de la Antigua Grecia.  Un recinto ovalado, lleno de gradas a su alrededor donde las modelos desfilaban por la pista de carreras. En medio, se encontraba la orquesta que acompañó a la cantante Ionna Gika encargados de armonizar e fashion show. Además fue el lugar donde se celebraron los primeros Juegos Olímpicos en 1896.


    Equilibrio, elegancia, clasicismo y feminidad son los adjetivos que describen a la perfección la colección. Predominios de los colores blancos y dorados, vestidos sedosos y vaporosos acompañados por deportivas. Un total de 91 looks enteros.




    Durante la colección, también podemos percibir influencia del pintor italiano surrealista Giorgio de Chirico con cierta obsesión con los edificios griegos. Mayor representante de la pintura metafísica, aquella que va más allá de la realidad y provoca una reflexión en el espectador.

    PIAZZA D´ITALIA- Giorgio de Chirico

    El espectáculo estuvo rodeado de fuego, símbolo de poder en la Antigua Grecia y finalizó con fuegos artificiales. Christian Dior también tuvo una gran fijación por el mundo griego. Así fue que en 1951 diseñaría la colección de Alta Costura Acrópolis inspirada y fotografiada en el Partenón. 



    EL VESTIDO CISNE

    La actriz, Marlene Dietrich lució un vestido con forma de cisne para una fiesta de disfraces en 1935. Específicamente, ella quería recrear el mito de "Leda y el Cisne" de la Antigua Grecia.


    La versión más popular de este mito cuanta que, un día, mientras que Leda, esposa de Tindáreo, rey de Esparta paseaba junto al río Eurotas, vio como un cisne estaba siendo atacado por un águila y salió corriendo para defenderlo. El cisne era Zeus, que se había transformado para seducirla. Esa misma niche, Leda también se unió junto a su esposo. Como consecuencia, puso dos huevos: de uno nacen Pólux y Helena, hijos de Zeus inmortales; del otro, Cástor y Clitemnestra, hijos mortales de Tindáreo.

    Ha habido una mayor representación en pinturas de este mito que en otras manifestaciones artísticas. El pintor, Leonardo Da Vinci hizo un cuadro inspirado en el mito en el año 1506, Miguel Ángel lo pintó en 1530 y otro ejemplo fue el de Salvador Dalí en 1949. 


    El vestido no se volvió a ver hasta los Premios Oscar en el 2001 por Björk. La cantante estuvo nominada a mejor canción original por “I’ve seen it all” por la película Dancer in the Dark. Un vestido diseñado por Marjan Pejoski que fue posicionado como el noveno vestido más icónico por el periódico Daily Telegraph. Además, la cantante durante la alfombra roja fue dejando huevos .

    Björk sacó ese mismo año su nuevo disco Vespertine donde en la portada se podía apreciar la figura de un cisne.


    Después de la aparición de Björk, muchos personajes públicos hicieron parodias del vestido. Por ejemplo Ellen DeGeneres apareció con un vestido del estilo en los Grammys, Kevin James asistió con ello a los People’s Choice Awards y Nelly Furtado lo usó para grabar su videoclip Bajo otra luz. 

    Durante la colección de Alta Costura de Valentino en 2014 también se vio un vestido inspirado en ello. Lo gracioso y curioso es que en ese momento los directores creativos de la maraca eran  Pierpaolo Piccioli y Maria Grazia Chiuri.

    El vestido cisne se ha convertido en un icónico diseño que hoy en día grandes diseñadores, como es el caso de Chiuri, siguen recreando y modificando. Una colección crucero ambientada en cada uno de los detalles del desfile y las prendas, que ha permitido que viajemos a la Antigua Grecia por tan solo media hora. ¡Esperando con ansias la colección de Alta Costura del lunes 5 de julio a las tres menos cuarto en su web!

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    La semana pasada tuvo lugar el acontecimiento más importante de la moda y el que yo estaba esperando como agua de mayo:  la Fashion Week de la Alta Costura de París, edición primavera 2021. Vamos a despedazar todos y cada uno de los desfiles, destacando los datos importantes. 

    FASHIONFLIMS

    Debido a la situación en la que vivimos tan complicada, los shows fueron realizados a puerta cerrada y a través de fashionfilms. Muchos de los diseñadores se han tomado esta nueva dinámica como un reto y un mundo sin explorar, llevándolo más allá de una pasarela virtual, creando historias detrás de las colecciones. 

    Por ejemplo, hablamos del caso de Dior, invadido por la gran creatividad e intelecto de María Grazia Chiuri, llevándonos a Le Château du Tarot. Inspirada en una aficiones en común con el fundador de la casa, nos recuerda a una Alicia en el País de las Maravillas un poco perdida, en busca de su propia identidad ayudada por los personajes de las cartas del tarot.

    “El señor Dior estaba tan fascinado por el tarot y la astrología, como lo estoy yo. En el momento en el que vivimos, pienso que es importante para nosotros encontrar magia, estar más allá de la realidad"


    EL CABALLO BLANCO

    Uno de los principales protagonista durante la pasarela ha sido el caballo blanco, considerado como una figura sagrada de triunfo sobre fuerzas negativas por la mitología y la religión. Mismo símbolo pero con diferentes connotaciones, mientras que Maria Grazia Chiuri (Dior) se centraba en un significado más místico, Virginie Viard (Chanel) confesaba que se había inspirado en los trajes de montar de la región francesa de Camargue. Y por otro lado, Giambattista Valli hacía una referencia más la cultura andaluza en su vídeo.  

    BARROCO

    La mayoría de los escenarios se ubican en edificaciones barrocas (XVI/XVII), o por lo menos la decoración interna. Grandes puertas, paredes decoradas con papeles florales, mucha decoración dorada. Armaní Privé grababa la colección en su taller de Milán  situado en la Via Borgonuovo; Pierpaolo Piccioli (Valentino) decidió utilizar la Gallería Colonna, que hoy en día es el hogar de una de las familias romanas que forman parte de la Aristocrazia Nera; Kim Jones (Fendi) debutando por primera vez en la casa Fendi, tomó la ubicación antigua de la bolsa de París, Palais Brongnart; Y Ziad Nakad, con su colección "Birds of Love", quiso representar la feminidad al estilo Elie Saab en Château de Vaux.

    SURREALISMO

    Evidentemente, muchos han utilizado las colecciones para evadirse de la situación en la que vivimos y plantearnos entornos de fantasía, pero no solo para el espectador, sino también para ellos mismos. Una fantasía con tonos más surrealistas es la que más ha predominado en esta temporada,  destacando por encima de todas Schiaparelli, donde David Roseberry se ha  ceñido a los orígenes y tendencias de la fundadora, incluyendo los accesorios más excéntrico que puedas imaginar y haciendeo del cuerpo humano el mayor protagonista durante la colección. Por otro lado Ronald Van Der Kemp cuestionó un mundo enloquecido por los enfrentamientos contra la policía provocados por el  toque de queda durante los primeros meses del confinamiento, creando una serie de personajes y prendas surrealistas.


    FIESTAS Y REUNIONES

    Bajo el nombre de "Couture Rave", Viktor and Rolf nos presentaban su nueva colección inspirada en las fiestas que tanto echamos de menos. Situada en un parking subterráneo y de los más punk,  prendas llamativas compuestas por collage de telas diferentes. Mientras que Virginie nos recordaba la nostalgia de las reuniones familiares y las celebraciones con nuestros seres queridos. 

    DORADO

    El dorado se ha convertido en el color estrella de la temporada, desde accesorios, como los de Schiaparelli o los pequeños bolsos de Fendi, grandes botas como las de Alexandre Vauthier o Valentino, vestidos como los de Iris Van Herpen o Dior, tops como los de Viktor and Rolf,  hasta el principal elemento en el maquillaje como es el casa de la casa Valentino.

    TRADICIÓN

    Mantener la esencia de una casa con un gran recorrido y tradición a lo largo de muchos años, no es una tarea fácil. La chaqueta bar característica de Dior, fue sacada a la venta el primer modelo el 12 de febrero de 1947, hoy en día se considera una de sus mayores prendas que sigue presente. O los trajes de chaqueta y falda de tweed propios de Chanel, comenzaron en los años 20. La colección de Schiaparelli cuenta con una chaqueta parecida a la que hizo la fundadora junto con el artista surrealista Jean Cocteau. Y finalmente, aunque no lleve tantos años como el resto, Giambattista Valli mantiene su esencia del tul en todas sus colecciones. 


    SOSTENIBILIDAD

    Siendo la industria textil una de las más contaminantes hasta el momento, dato que preocupa y cada vez la ecología está más presente en los grandes diseñadores. Alber Elbaz, utilizó para su colección tejidos reciclados y ecológicos incluyendo pigmentos naturales para teñir las prendas. Ronald Van Der Kemp confesaba que no había comprado ningún material nuevo para la colección, sino que la hizo a base de materiales restantes de otras colecciones, empleándolo a modo collage. Iris Van Herpen, con la ayuda de Parley for the Oceans, incorporó plásticos reciclados para sus prendas.


    NATURALEZA 

    La fascinación por la naturaleza viene dada por dos casas diferentes, pero que coinciden con el mismo concepto de esta: "la naturaleza recupera su territorio después de un desastre". Y concretamente hablan de los hongos, lo pequeños que son y siendo la pieza clave de la vida en la Tierra. Iris Van Herpen, inspirada en el libro Merlin Sheldrake, introdujo su referencia a los hongos en forma de zapatos, simulando una especia de branquias de estos. Y por otro lado, Rahul Mishra, inspirado en el documental A Life in Our Planet, tardó 6 meses en bordar la silueta de sus hongos, lo cuales dictaminaban las formas de las prendas. 


    BARRERAS

    Y por primera vez en la historia, se incluyen prendas de Alta Costura para hombre y también unisex, eliminando las barreras entre los géneros demostrando que la piel es un lienzo más. El caso de Kim Jones contaba que su inspiración para la colección fue la novela de Virginia Woolf, Orlando, temática en la que se había fijado para Met Gala de año pasado... Un recorrido por la historia de la vestimenta y el ropaje característico de cada etapa, donde las barreras del género no son ningún impedimento, de hecho, el protagonista cambia a lo largo de la novela de sexo. Charles de Vilmorin, el gran descubrimiento de este año, lanzando su colección a través de Instagram durante el confinamiento, fue llamado para su participación en los desfiles, donde también nos planteaba la eliminación de los roles.

    But couture is for people. I don’t care about gendered (fashion). It’s an inspiration which is fluid, no-boundaries: a trench coat is for men and women.”

    Pierpaolo Piccioli 


    Todo esto nos lleva a un cambio de la concepción tradicional de la Alta Costura, a movernos en una postura más evolucionada. ¿Cambiarán las normas de la Chambre Syndicale? ¿Estarán abiertos a nuevos conceptos? ¿Habrá una revolución en el concepto? 

    "Para mí, la alta costura no implica lujo necesariamente. La alta costura representa toda una fantasía que se sale de lo ordinario. Por eso es ahí donde quiero estar
    -Charles de Vilmorin.

    "Lo que significa alta costura es experimentación e individualidad, y creo que eso es lo que representa el proyecto"
    Alber Elbaz.

    “Quería desafiar la idea de lo que es la costura, y de lo que debería ser, creando prendas que respetan la tradición no solo de esta Maison, sino también del arte que se esconde detrás, al mismo tiempo que exploro los clichés asociados al género”
    David Roseberry 

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     Cuando el arte y la moda se unieron, para traernos al mundo grandes obras que siempre recordaremos. 


    Inicios del siglo XX y el surrealismo comenzaba a conquistar Europa, especialmente Francia, donde se iniciaron los primeros pasos en este movimiento por el manifiesto de Freud. Dentro de la pintura tendríamos a su máximo representante, Salvador Dalí, un pintor español nacido en Figueras (Cataluña) en 1904 e iniciaría su pasión con solo 14 años. 

    Por otro lado, la máxima representante del surrealismo dentro de la moda sería Elsa Schiaparelli, nacida en Roma en 1890. Tras un inicio de vida ajetreado, por diversas circunstancias, acabaría en París inaugurando su primera tienda en el años 1927 "Pour le Sport"  donde enseñó al mundo su nuevo diseño: LA FALDA PANTALÓN.


    El punto de inicio de su relación fue París, en concreto, el grupo de surrealistas que ambas les gustaba frecuentar. Una vez presentados, la revolución del concepto de moda pegaba el pistoletazo de salida. 

    A parte del surrealismo, ambos tendrían más puntos en común, como la creencia del más allá. Schiaparelli pasaba mucho tiempo con su tío Giovanni, astrónomo, por lo que estuvo muy familiarizada con el cosmos. Por otro lado, Dalí siempre escuchó de sus padres que era la reencarnación de su hermano mayor. Además, a ambos les pusieron el mismo nombre y sus padres le obligaban a ir a la tumba. 

    Otro punto, poco agradable, es la desaprobación por parte de los padres. Schiaparelli fue mandada a un convento por escribir un poemario sensual que alarmó a toda su familia. Su respuesta fue una huelga de hambre que provocó que volviese a casa. Dalí mantendría una dura relación con su padre, el cuál no aprobaba las excentricidades de su hijo y le trataba como un castigo divino. Su madre fue un gran apoyo para él, pero desgraciadamente murió cuando él tenía 16 años. 

    “La tragedia constante de la vida es la moda y es por eso que siempre quise colaborar con madame Schiaparelli; solo para probar que la idea de vestirse o disfrazarse uno mismo es consecuencia de la traumática experiencia de nacer, el trauma más fuerte que un ser humano puede experimentar, pues es el primero” 


    POLVOS COMPACTOS 1935

    Y con el tiempo, llegó al primera colaboración que se trataría de unos polvos compactos (maquillaje), de los cuales Dalí se encargaría de darles forma. Tomó el diseño de un disco de marcar, como los de los teléfonos de entonces. 

    Este diseño pertenece a la colección otoño-invierno de 1935. 





    TRAJE ESCRITORIO

    Para este diseño, Elsa Schiaparelli tomó como inspiración el cuadro de Dalí "Gabinete antropomorfo" para diseñar sus famosos trajes escritorios. El look comprende una chaqueta con 8 cajones perteneciente a la colección otoño-invierno de 1936.  

    El significado de estas cajas que salen del cuerpo humano es muy del estilo dalianano. En ellas, se esconde el interior del hombre que solo el psicoanálisis sería capaz de abrir. 




    EL VESTIDO LANGOSTA

    En 1937 vendría su colaboración más importante y con mayor repercusión: el vestido langosta. 

    Elsa Schiaparelli se quedó fascinada con el diseño que había realizado Dalí en 1936, "Teléfono Langosta" y le pidió que le dibujara al crustáceo para uno de sus vestidos. 

    “Como las langostas, las jovencitas se ven deliciosas por fuera. Como las langostas, también se ponen rojas cuando las preparas para comerlas” -Dalí.

    La langosta estaba dotada de una connotación erótica. Además, el crustáceo estaba pintado en una inmensidad de color blanco que representaba la pureza e inocencia de la mujer, y posicionándolo entre las piernas de la figura femenina. 

    Wallis Simpson, la duquesa de Windsor, fue una de las primeras en apostar por el vestido y atreverse a ponérselo seguido de una sesión fotográfica. 

    En la actualidad, la langosta es un símbolo que se asocia rápidamente con la casa, por lo que la han reinventado en diseños parecidos al que hizo la fundadora.


    EL SOMBRERO ZAPATO

    El sombrero zapato se convirtió en el elemento clave para la colección de 1937 y estuvo inspirada en una fotografía que tomó Gala de Dalí con un zapato en la cabeza. 

    En una de las confesiones de Freud, asociaba a los sombreros con alusiones de los genitales femeninos y este sombrero, rompía los esquemas. Sería todo lo contrario, relacionándolo con los genitales masculinos o incluso, con el fetichismo de pies.


    TEARS DRESS 

    La siguiente pieza volvería a ser un vestido, que se convertiría en la piza clave de su colección Cirque de 1938. 

    Se trata de un vestido compuesto por trampantojos que pretendía simular pieles rasgadas. Dalí ya había usado esta representación en sus cuadros como "El sueño apoya su mano sobre el hombro de un hombre" y "Tres jóvenes mujeres surrealistas que sostienen en sus brazos las pieles de una orquesta".


    VESTIDO ESQUELETO

    La misma colección, cuenta con otra pieza de la manos de Dalí, el vestido esqueleto.  Una pieza completamente de color negro y con relieve simulaba los huesos, la columna, las costillas. Utilizaron la técnica de trapunto. 


    Además de colaborar con Dalí, también trabajó con otros artistas como Picasso o Jean Cocteau. 

    Elsa Schiaparelli fue diseñadora atípica del momento y la más innovadora, una época invadida por los trajes de Chanel. La diseñadora francesa siempre la definía como "Aquella italiana que vende ropa".

     Es obvio, que si preguntamos quién fue la reina de la moda en los años 30 es Coco Chanel, pero Schiaparelli no se dejó comer. Una de las anécdotas que se cuentan de ellas en la biografía de Coco Chanel por Rhonda K. Garelick, en una fiesta de disfraces, Coco empujó a su pareja de baile lo que provocó que un candelabro cayese al suelo atrapando a Elsa entre llamas. 



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     Todo el mundo te puede hablar de alta costura, de los desfiles, de la fashion week de parís... pero pocos saben que existe un club secreto, donde pocos son los privilegiados de poder entrar en él.

    HAUTE COUTURE


    Colección Alta Costura Dior 21 


    Haute Couture, cuyo significado es Alta Costura, se ha prolongado en el tiempo como la moda hecha a mano, de forma artesanal, a medida, con tejidos de calidad, valorados en un precio alto e inusual. Estas piezas suelen realizarse para un cliente en específico con sus medidas correspondientes.

    Pero, no todo el mundo puede realizar piezas a medida y definirlas como alta costura. Para poder usar el término, debe ser miembro de oficial, regulado por la Cámara Sindical de Alta Costura. 


    ¿DE DÓNDE VIENE?

    Nos remontamos a los inicios de la alta costura en el siglo XVIII de la mano de la modista de María Antonieta, Rose Bertín.  El estilo de María Antonieta y de toda la corte de Versalles durante esa época, fue copiada por toda Europa, por lo que podemos considerarla como la "primera influencer". 


    Rose Bertín
    María Antonieta


    Pero realmente, él que introdujo el término oficialmente fue Charles Frederick Worth. Nació en Londres, y tras 7 años de formación, se mudó a París en 1845 para abrir su propia casa de moda. Se convirtió rápidamente en el diseñador de la nobleza, de las actrices, de las mujeres ricas del momento, con diseños únicos e irreemplazables, sin ornamentos en exceso, cuyo fin era alzar la figura de la mujer. Reconocido como el diseñador favorito de Eugenia del Montijo, esposa de Napoleón III. 

    Charles Frederick Worth

    Eugenia del Montijo

    París será reconocido como la cuna de la Alta Costura.  En 1868, en la ciudad, se forma una asociación de modistos parisinos que surge para regularizar los problemas que comenzaban a florecer en torno a este sector de la moda, como los plagios de los diseños, de las telas o los estilos, además del solapamiento de las fechas de los desfiles. Así surge la identidad, conocida hoy como Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. 

    Además de regular el sector, también serán los encargados de determinar qué casa de moda cumplen los objetivos para pertenecer a ella. Tienen el privilegio de desfilar en París bajo la etiqueta de Alta Costura durante la semana de la moda parisina, escasa y contadas casas. Es un club privilegiado dentro del sector de la moda.


    REQUISITOS

    Todas las casas de moda que quieran pertenecer a este club secreto, deben ser admitidas por la Chambre Syndicale y cumplir con una serie de requisitos: 

    1. Sacar dos colecciones anuales, para cada temporada, una en enero y otra en julio, en París. 
    2. Cada colección tiene que tener un total de 50 looks, tanto de día como de noche.
    3. En París, tendrán que tener un atelier con 20 artesanos expertos, conocidos como petites-mains.
    4. El modista que comienza el trabajo de una pieza es quien debe terminarla. Este incluye desde el boceto inicial hasta la pasarela. 
    5. Deberán dedicar una media de 100 a 1000 horas por prenda.
    6. Exclusividad en los materiales que utilicen y debe ser completamente artesanal, apenas se utiliza la máquina de coser.
    7. Cada diseño que se realice, es único y exclusivo, hecho con medidas concretas. 
    8. Tiene que estar aprobado por la federación






    MIEMBROS OFICIALES

    Los lista de estos miembros es actualizada cada año. Durante mucho tiempo, los miembros oficiales fueron Cristóbal Balenciaga, Coco Chanel, Christian Lacroix o Emilio Pucci. 

    Además de Balenciaga, solo 5 nombres españoles han sido considerados alguna vez a lo largo de la historia como miembros de Alta Costura: Paco Rabanne, Pertegaz, Josep Font, Antonio Castillo y Raphaël.

    Lista oficial de 2020 está formada por las siguientes casas de moda:
    • Schiaparelli
    • Dior
    • Maison Rabih Kayrouz
    • Giambattista Valli
    • Chanel
    • Alexis Mabille
    • Stéphane Rolland
    • Julien Fournié
    • Alexandre Vauthier 
    • Givenchy
    • Maison Margiela
    • Frank Sorbier
    • Bouchra Jarra
    • Jean Paul Gaultier
    Por otro lado, tenemos otras firmas del mundo de la moda que se les permite formar parte de la semana de la moda de París y presentar sus colecciones, siempre y cuando no lo hagan dentro del calendario oficial y sin la etiqueta de Alta Costura.

    A ellos se les denomina miembros invitados, marcas jóvenes y extranjeras que trabajan fuera de París como  Ralph & Russo, Antonio Grimaldi, Azzaro Couture, Georges Hobeika, Iris Van Herpen, Ulyana Sergeenko, Ronald Van Der Kemp, Zuhair Murad, Julie de Libran, Guo Pei, Aganovich, Aelis, Rahul Mishra, Xuan e Imane Ayissi, Elie Saab, Valentino, Giorgio Armani Privé y Viktor & Rolf.


    PERO, ¿QUÉ SIGNIFICA?

    A parte de cumplir todas las indicaciones anteriores, este sector va más allá del concepto, una forma artística donde el lienzo es el cuerpo humano. Prendas que hacen reflexionar, con un trasfondo detrás y acompañadas en una puesta en escena con doble fondo. Además, en la era de la pandemia, todo esto ha evolucionado y no solo salen a la pasarela, sino que realizan cortometrajes.









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